Konzerte

OBOISSIMO – NICHT FÜR NAPOLEON

Gioachino Rossini (1792–1868)
Ouvertüre zu Die Italienerin in Algier
Richard Strauss (1864–1949)
Oboenkonzert D-Dur AV 144
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Sinfonie Nr. 3 Es-Dur op. 55 Eroica

Salomo Schweizer, Oboe
Staatsorchester Braunschweig
Gerd Schaller, Dirigent

Für dieses Konzert besteht eine Busverbindung von Schlüsselfeld über Bamberg nach Bad Kissingen.

Karten zu 39 | 34 | 29 | 24 | 16 €    
09552 297    
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OBOISSIMO – NICHT FÜR NAPOLEON

Das deutsche Wort Oboe leitet sich vom französischen Haut-bois her – hoch-Holz. Ein hohes Holzblasinstrument ist sie also, und in der Tat: obwohl in einem Orchester doch gemeinhin viel mehr Streicher als Oboisten sitzen, hört man die Oboe mit ihrem hellen, süßen Ton doch immer heraus, wenn sie mitspielt – zumindest als Farbe. Kein Wunder, dass es sich kaum ein Komponist, vom Barock bis in die Moderne, entgehen ließ, dieses Instrument auch entsprechend solistisch zu präsentieren!
Eine wichtige Rolle spielt die Oboe beispielsweise in der 1813 uraufgeführten Ouvertüre zu Rossinis Die Italienerin in Algier: Mit einer spritzigen kleinen Melodie eröffnet sie diese Opera Buffa, in der die Holzbläser ohnehin die Führung innehaben.
Doch die Königsdisziplin der Oboenfreunde ist natürlich das Oboenkonzert – wenn Richard Strauss das seine in D-Dur auch ursprünglich ganz lapidar als eine seiner „Werkstattarbeiten“ bezeichnete, „damit das vom Taktstock befreite rechte Handgelenk nicht vorzeitig einschläft“. Doch Anlass für das 1945 kurz nach Kriegsende entstandene Werk war tatsächlich nicht das rostende Gelenk gewesen, sondern ein amerikanischer Soldat: Dieser, im Zivilberuf Oboist, hatte Strauss nämlich gefragt, ob er nicht mal ein Oboenkonzert schreiben wolle. „Nein!“, soll Strauss geantwortet – und kurz darauf mit der Komposition begonnen haben...
Auch Ludwig van Beethoven war offenbar bekennender Oboenfan: Zwar ist sein Konzert für dieses Instrument nur in Teilen überliefert, aber das wunderbare Oboensolo im Trauermarsch der 1804 uraufgeführten Eroica zeugt sehr beredt von seiner Sympathie für dieses Instrument. Diese seine 3. Symphonie hatte er übrigens ursprünglich Napoleon Bonaparte gewidmet. Doch, berichtet sein Schüler Ferdinand Ries: „Ich war der erste, der ihm die Nachricht brachte, Buonaparte habe sich zum Kaiser erklärt, worauf er in Wuth gerieth und ausrief: ,Ist der auch nichts anderes, wie ein gewöhnlicher Mensch! Nun wird er auch alle Menschenrechte mit Füßen treten, nur seinem Ehrgeize frönen; er wird sich nun höher, wie alle Anderen stellen, ein Tyrann werden!‘ Beethoven ging an den Tisch, faßte das Titelblatt oben an, riß es ganz durch und warf es auf die Erde. Die erste Seite wurde neu geschrieben und nun erst erhielt die Symphonie den Titel: Sinfonia eroica.“

MIT PAUKEN UND TROMPETEN

Joseph Haydn (1732–1809)
Sinfonie Nr. 103 Es-Dur Mit dem Paukenwirbel
Johann Nepomuk Hummel (1778–1837)
Trompetenkonzert Es-Dur
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Sinfonie Nr. 8 F-Dur op. 93

Martin Weller, Trompete
Staatsorchester Braunschweig
Gerd Schaller, Dirigent

Karten zu 44 | 39 €     09552 297      Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!

MIT PAUKEN UND TROMPETEN

Mit Pauken und Trompeten – diese Redensart dürfte sich ungefähr im 17. Jahrhundert entwickelt haben, als Pauken und Trompeten in der Militärmusik den hohen Dienstgraden vorbehalten und entsprechend hoch angesehen waren – viel höher jedenfalls, als die Trommeln und Pfeifen, die dem niederen Fußvolk und den Amateurmusikern oblagen.
In diesem Programm kommen denn auch beide Instrumente voll zu ihrem Recht: Haydns Sinfonie Nr. 103 – seine vorletzte, entstanden 1795 in London – trägt ihren Beinamen, weil sie höchst ungewöhnlicherweise mit einem Paukenwirbel beginnt. Darunter steht in den Noten „Intrada“, was seinerzeit den Einzug einer hochgestellten Persönlichkeit bezeichnete. Wer da nun tatsächlich gemeint war wissen wir nicht, doch das tut der Schwungkraft und Originalität des gesamten Werks keinen Abbruch.
„Den Bub müssen’s mir da lassen: den lass ich nicht aus; aus dem kann was werden!“, so soll Wolfgang Amadeus Mozart ausgerufen haben, als der erst achtjährige Johann Nepomuk Hummel ihm 1786 das erste Mal vorgestellt wurde. Dieser wurde denn auch in den Mozart‘schen Haushalt aufgenommen und unterrichtet. Mit Haydn vereint Hummel aber nicht nur seine enge Beziehung zu Mozart (der ja wiederum bei Haydn gelernt hatte), sondern auch, dass beide Komponisten im Jahr 1803 ein Konzert für den damals in Wien ansässigen Trompeter Anton Weidinger schrieben, den Sensationstrompeter dieser Jahre überhaupt: War er doch auf seiner Klappentrompete damals als einziger Musiker in der Lage, chromatische Töne über die gesamte Skala der Trompete zu spielen! Beide Trompetenkonzerte gelten denn auch heute noch als Paradebeispiele des Genres in der Wiener Klassik.
Für Beethovens 8. Sinfonie, entstanden 1811/12, wurden die Pauken und Trompeten dagegen eher zum Verhängnis: Sie erklang bei der Uraufführung zusammen mit Beethovens 7. Sinfonie, einem Terzett und der großen Schlachtenmusik Wellingtons Sieg (mit vielen Pauken und Trompeten!). Dagegen musste die Achte abfallen, denn ihre Stärken sind gerade nicht Lautstärke und Pracht, sondern Raffinesse, Virtuosität und Witz. So schrieb denn auch der Kritiker der Uraufführung lapidar: „Sie machte – wie die Italiener sagen – keine Furore“. Nicht allerdings, ohne gleich anschließend zu versichern: „Wird diese Symphonie in Zukunft allein gegeben, so zweifeln wir keineswegs an dem günstigen Erfolge.“
Überzeugen Sie sich selbst!

BRUCKNER2024: MYSTISCH SCHWEBEND

Anton Bruckner (1824–1896)
Messe Nr. 2 e-Moll
Symphonie Nr. 2 c-Moll
Fassung von 1877

Philharmonischer Chor München
Andreas Herrmann, Einstudierung
Philharmonie Festiva
Gerd Schaller, Dirigent

In Koproduktion mit dem Bayerischen Rundfunk – Studio Franken.

Karten zu 45 | 39 | 24 €    
  09552 297    
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BRUCKNER2024: MYSTISCH SCHWEBEND

Drei größere Messen schrieb Anton Bruckner — allesamt herausragende Werke. Doch die zweite, die Messe e-Moll, ist noch einmal etwas ganz besonderes: Sie wurde 1869 uraufgeführt, zur Eröffnung der Votivkapelle des Linzer Doms, und da sie zu diesem Anlass im Freien erklang, konnte Bruckner zur Begleitung des achtstimmigen gemischten Chores, den er verwendete, nicht wie gewohnt auf ein Orchester oder auch die Orgel zurückgreifen. So entschied er sich für ein 13-köpfiges Bläserensemble; das übrigens bei der Uraufführung pikanterweise von der Linzer Militärkapelle gestellt wurde... Die spezielle Klangfarbe aber, die durch diese Besetzung entsteht, verleiht der Messe etwas überirdisch-schwebendes, ein geradezu mystisches Element.
Mit ihrer Bezugnahme auf gregorianische Motive, aber auch auf eine Messe des Renaissance-Großmeisters Giovanni Pierluigi da Palestrina (um 1525-1595) zeugt sie dabei einerseits von Bruckners tiefer Spiritualität, andererseits aber auch von seiner enormen Erfahrung mit dem Klangkörper Chor, seinem souveränen Umgang mit Stimmen.

Auch die 2. Symphonie (die tatsächlich — nach der Studiensymphonie, der Ersten und der sogenannten Nullten — die vierte Sinfonie war, die Bruckner komponierte) besitzt über weite Strecken eine solche mystisch anmutende Atmosphäre, mit ihren abgehoben-schwebenden Klangflächen, ihren geheimnisvollen Harmonieverbindungen. Er vollendete sie 1872 in seinem geliebten Stift St. Florian und bot sie anschließend den Wiener Philharmonikern zur Uraufführung an — die sie jedoch nach einer ersten Probe als „unspielbar“ ablehnten.
Immerhin: Ein Jahr später nahmen sie das Werk dann doch an, und die Symphonie wurde vom Publikum und letztlich auch den Musikern selbst sehr positiv aufgenommen; zeugte sie doch von Bruckners Emanzipation als eigenständiger Symphoniker.

Nur mit der Widmung des Werks wollte es nicht so recht klappen: Bruckner wollte sie ursprünglich den Wiener Philharmonikern angedeihen lassen, doch diese lehnten dankend ab. Soooo großartig fanden sie das Werk dann offensichtlich doch nicht...
Daraufhin trug er sie 1884 Franz Liszt an — doch dieser vergaß die Partitur einfach, und so wurde die Widmung nicht gedruckt. Der nächste auf Bruckners Liste war Richard Wagner, dem er jedoch die Wahl zwischen dieser und der 3. Symphonie ließ. Wagner wählte die Dritte — und dann gab Bruckner die Sache offenbar frustriert auf. So blieb die Zweite letztendlich die einzige seiner Symphonien ohne Widmung; und heutige Hörer mögen sich angesichts der großartigen Musik fragen, wo die undankbaren Widmungsadepten wohl seinerzeit mit ihren Gedanken gewesen sein mögen!

KLANGVOLLE NEUERER

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Ouvertüre zu Don Giovanni
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847)
Violinkonzert e-Moll op. 64
Joseph Haydn (1732–1809)
Sinfonie Nr. 101 D-Dur Die Uhr

Ingolf Turban, Violine
Philharmonie Festiva
Gerd Schaller, Dirigent

Karten zu 44 | 39 €     09552 297      Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!

KLANGVOLLE NEUERER

Kompositorische Neuerungen gehören zu den Dingen, die viele Musikfreunde erst einmal mit Misstrauen betrachten: Kann man diese Musik denn wohl entspannt genießen, oder muss man sich auf einen Abend voller Dissonanzen und scheinbar unzusammenhängender Atonalitäten gefasst machen?!
Das war schon im 18. und 19. Jahrhundert so, und hat sich bis heute nicht geändert. Aber dieses Konzert zeigt, dass es auch anders geht – wenn die Komponisten es nur genial genug anpacken.
Zum Beispiel Wolfgang Amadeus Mozart. Obwohl dieser nämlich die Ouvertüre zu seinem Don Giovanni angeblich erst in der Nacht vor der Uraufführung im Oktober 1787 in Prag geschrieben haben soll, ist sie doch nicht einfach eine Kompilation der wichtigsten Melodien dieser Oper, sondern eine komplette Persönlichkeitsbeschreibung des Hauptprotagonisten in allen psychologisch durchdachten Details: Dämonisch und leidenschaftlich, leichtfertig und ritterlich ist dieser Don Giovanni, den man da kennenlernt, aber er besitzt auch spielerisch-leichte Züge und große Zielstrebigkeit, großen Mut und Schicksalsergebenheit. Eine revolutionär-neue Herangehensweise an eine Opernfigur; am Ende noch dadurch gesteigert, dass Mozart von den Protagonisten der Uraufführung auch noch verlangte, möglichst realistisch und dramatisch zu agieren, statt nur an der Bühnenkante zu stehen, und schöne Töne zu produzieren! Dazu kam noch die harmonische Kühnheit des Ganzen: Der Don Giovanni ist für damalige Zeiten geradezu sensationell neu und modern – bis hin zu zwölftönigen Themen, wie sie dann erst wieder im 20. Jahrhundert gewagt wurden.
Dennoch aber geriet die Uraufführung in Prag zu einem großen Erfolg, denn Mozart wäre eben nicht Mozart, wenn er all diese revolutionären Neuerungen nicht so geschickt verpackt hätte, dass sie dem Publikum wenn überhaupt, so jedenfalls nur positiv auffielen...

„Ich möchte Dir wohl auch ein Violinkonzert machen für nächsten Winter; eins in e-moll steht mir im Kopfe, dessen Anfang mir keine Ruhe läßt“, so schrieb Felix Mendelssohn-Bartholdy 1838 an seinen Freund, den Geiger Ferdinand David. Erst sechs Jahre später allerdings wurde das Konzert schließlich vollendet – und von den Zeitgenossen gleich als eines der modernsten und zukunftsweisendsten seiner Art eingeschätzt. Die Neuerungen finden sich in diesem Werk allerdings weniger im harmonischen, als im strukturellen Bereich. So liegt das Hauptthema des 1. Satzes bei der Solovioline, statt im Orchester, die beiden ersten Sätze gehen nahtlos ineinander über, die Kadenz des 1. Satzes erklingt weit früher im Stück, als sonst üblich, und so weiter. Seiner Beliebtheit beim Publikum jedoch tat das keinen Abbruch, im Gegenteil: Bis heute ist das Stück eines der meistgespielten seiner Art, bei niemals nachlassender Bezauberung der Hörer.

„Nichts könnte origineller sein als das Thema des ersten Satzes; und hat er einmal ein treffliches Thema gefunden, kann niemand besser als Haydn unaufhörliche Mannigfaltigkeit daraus schöpfen, ohne auch nur einmal davon abzulassen. Die Gestaltung der Begleitung im Andante, obgleich höchst schlicht, war meisterhaft, und wir hörten nie zuvor einen reizvolleren Effekt als den des Trio im Menuett. – Es war Haydn, was könnte man, was bräuchte man mehr zu sagen?“, so schrieb der Londoner Morning Chronicle im März 1794 über die Uraufführung von Haydns Sinfonie 101, einer seiner sogenannten Londoner Sinfonien. Auch dieses Werk trägt zahlreiche für die damalige Zeit sehr ambitionierte neue Züge, die aber – wie bei Mozart und Mendelssohn – so genial verpackt sind, dass man sie vermutlich nur beim genauen Studium der Partitur entdecken wird.
Vor allem aber wird gerade im Trio der Sinfonie auch Haydns Sinn für Humor und Absurdes deutlich: Handelt es sich doch um eine Art Parodie auf ein Dorforchester, in dem die Musiker abwechselnd ihre Einsätze verpassen...

GROSSE MUSIK!

Antonín Dvořák (1841–1904)
Konzert für Violoncello und Orchester h-Moll op. 104
Johannes Brahms (1833–1897)
Symphonie Nr. 1 c-Moll op. 68

Wen-Sinn Yang, Violoncello
Münchner Symphoniker
Gerd Schaller, Dirigent

Für dieses Konzert besteht eine Busverbindung von Schlüsselfeld über Bamberg nach Bad Kissingen.

Karten zu 39 | 34 | 29 | 24 | 16 €    
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GROSSE MUSIK!

Als „ein Stück Holz, das oben kreischt und unten brummt“ soll Antonin Dvorak das Violoncello bezeichnet haben – kaum zu glauben, wenn man die wunderbar süßen Klänge, die herrlich sanglichen Melodien genießt, die er diesem Instrument in seinem Cellokonzert in h-Moll zugeeignet hat! Und doch hat dieses Stück auch einen tragischen Hintergrund, der sich auch in Tönen niederschlug: Kurz bevor er im Winter 1894/95 mit der Komposition des Werks begann, erfuhr Dvorak, dass seine einstige große Liebe (die später leider nur seine Schwägerin wurde) Josefina Kounicova schwer herzkrank sei – und kurz vor Vollendung des Konzertes starb sie gar. Dvorak litt sehr darunter, sie vor ihrem Tod nicht mehr sehen zu können, befand er sich zu dieser Zeit doch in Amerika! Doch er verlieh seiner Trauer auf seine Weise Ausdruck: Zu Josefinas Gedenken finden sich im zweiten und im Finalsatz des Werks Zitate aus ihrem Lieblingslied, Lasst mich allein, aus Dvoraks Vier Liedern Op. 82.

Es sei doch unglaublich schwierig, nach Beethoven überhaupt noch Sinfonien zu schreiben – so soll sich Johannes Brahms jahrelang geäußert haben, wenn ihn Freunde und Bewunderer fragten, wann denn nun endlich sein erster Beitrag zu diesem Genre erscheinen würde. So werkelte er denn auch stolze 14 Jahre lang an der Sinfonie Nr. 1 in c-Moll, bevor sie 1876 endlich uraufgeführt werden konnte; der Komponist war damals schon 43 Jahre alt.
Als sie aber dann endlich dem Publikum vorgeführt wurde, erkannten schon die Zeitgenossen die geistige Tiefe des Werks in seiner ernsten, fast tragischen Grundstimmung, und die ungewöhnlich feinsinnige Verarbeitung der Themen. Kurz: Große Musik!

Romantische Sehnsüchte

Richard Wagner
Der fliegende Holländer, Ouvertüre
Georges Bizet
Carmen-Suite Nr. 1
Peter Iljitsch Tschaikowsky
Romeo und Julia, Fantasie-Ouvertüre
Carl Goldmark
In Italien op. 49
Franz Liszt
Ungarische Rhapsodie Nr. 2
Nikolai Rimsky-Korsakow
Capriccio espagnol op. 34

Tschechisches Symphonieorchester Prag
Gerd Schaller, Dirigent

Karten zu 39 | 34 | 29 | 24 | 20 | 16 €    
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Romantische Sehnsüchte

Keine Epoche der Kunstgeschichte hat sich wohl derart intensiv mit dem Phänomen der Sehnsucht auseinandergesetzt, wie die Romantik: Ob in der Literatur, den bildenden Künsten oder der Musik.
Der Ursprung des Begriffs liegt im mittelhochdeutschen Wort sensuht, das als „Krankeit des schmerzlichen Verlangens“ beschrieben wird, und das Deutsche Wörterbuch der Gebrüder Grimm, dessen erster Band 1854 erschien, betont denn auch den Bezug der Sehnsucht zum Wort Siechtum. Weiter liest man da, Sehnsucht bezeichne einen „Grad eines heftigen und oft schmerzlichen Verlangens nach etwas, besonders wenn man keine Hoffnung hat, das Verlangte zu erlangen, oder wenn die Erlangung ungewiss, noch entfernt ist“.

Eben dieser Schmerz des Verlangens schien aber gerade im 19. Jahrhundert paradoxerweise besonders viele Künstler zu wunderschönen Werken zu inspirieren; angefangen von Novalis Heinrich von Ofterdingen, dessen Sehnsucht nach der Blauen Blume geradezu sprichwörtlich wurde, bis hin zu Richard Wagner, in dessen Werk sich im Endeffekt eigentlich alles um Sehnsucht dreht. So auch in seinem Fliegenden Holländer, dessen Ouvertüre den Reigen der Sehnsüchte eröffnet, den Gerd Schaller für dieses Programm zusammengestellt hat. Und ist es hier, wie auch in Bizets Carmen-Suite und Tschaikowskys Romeo und Julia-Ouvertüre die Liebessehnsucht, die musikalisch thematisiert wird, so besingen die Komponisten des zweiten Programmteils die Sehnsucht nach Ländern: Carl Goldmark beschreibt in Tönen die mediterran-entspannte Atmosphäre eines italienischen Sommertags, Liszt lässt in seiner Ungarischen Rhapsodie wilde Leidenschaft (und eine gewisse Portion Nationalismus...) brennen, und Rimsky-Korsakows Capriccio espagnol reißt mit seinem rhythmisch-tänzerischen Schwung auch heutige Hörer noch von den Stühlen.

All diese Werke haben dabei sicherlich eine gewisse Tendenz zum Melodienreichtum und auch zum Schwelgerischen, Schwärmerischen gemein – ein Programm zum Zurücklehnen und Genießen also. Aber wenn man genau hinhört, dann lässt sich vielleicht auch noch ein gewisses Streben nach Höherem – in Novalis‘ Worten: Die Sehnsucht nach dem Unendlichen – bemerken, die der Literat und Philosoph einmal als den entscheidenden Unterschied zwischen Klassik und Romantik beschrieb: „Die Poesie der Alten war die des Besitzes, die unsrige ist die der Sehnsucht; jene steht fest auf dem Boden der Gegenwart, diese wiegt sich zwischen Erinnerung und Ahndung“.

SYMPHONISCHER KARNEVAL

Der SYMPHONISCHE KARNEVAL in der Konzerthalle Bamberg ist mittlerweile eine Kultveranstaltung. Auch 2021 erwarten Sie spritzige Melodien von Franz von Suppé, Carl-Michael Ziehrer, Jacques Offenbach — und natürlich von den musikalischen Großmeistern der Strauß-Dynastie.
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Staatsorchester Braunschweig
Gerd Schaller, Dirigent

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